Uno de los principios fundamentales de las bellas artes es la ley del contraste, que es una manifestación especÃfica de la ley general de la dialéctica: la unidad y la lucha de los opuestos. Según esta ley la vida en la tierra no es posible sin la lucha y al mismo tiempo la conexión indisoluble de los opuestos. El dÃa y la noche, el blanco y el negro, el frÃo y el calor, lo que sube y lo que baja... todos son opuestos que luchan entre sÃ, pero a su vez son incapaces de separarse. Sin esta lucha, la vida se desvanecerÃa, convirtiéndose en una monótona existencia sin sentido. Si no hubiera contrarios, no habrÃa lucha ni unidad. Los contrastes, pues, en el sentido global del concepto, serÃan una de las condiciones principales e indispensables para el origen, la existencia y el desarrollo de la materia y, por tanto, de la propia vida. ¿Por qué hablo de esto en un blog de dibujo? Quizá porque el dibujo también tiene su filosofÃa. Hoy vamos a hablar del contraste. De la que para muchos es considerada como la regla de oro de la creación.
¿Qué es el contraste?
El contraste es la oposición entre dos elementos, uno de los cuales resalta al otro. Los contrastes nos permiten orientarnos, ya sea en el dibujo o en nuestra vida cotidiana. Sin contrastes, sin relieve, todo se fundirÃa con todo. El contraste crea diferenciación. Nuestros sentidos aprehenden el mundo evaluando las diferencias que perciben. Es a través de la diferencia que nuestro mundo se hace comprensible. Tanto en el cine como en la pintura y la fotografÃa, estas diferencias permiten ubicar a los personajes en el espacio, uno en relación con el otro, recreando asà una ilusión de profundidad y relieve (una falsa tercera dimensión que ayuda al cerebro a reconstruir un mundo probable).
Los contrastes agudizan las cualidades de los objetos que se comparan. Leonardo da Vinci aconsejaba a sus alumnos "mezclar los opuestos directos uno al lado del otro, para intensificar el uno por el otro". Los contrastes ayudan a atraer la atención del espectador y a resaltar lo principal de la obra de arte, transmitiendo expresivamente los sentimientos y pensamientos del artista.
El contraste claro-oscuro
El contraste claro-oscuro, también conocido como contraste de luminosidad, es el contraste que se crea por el brillo diferente de dos colores. Se da en los contrastes acromáticos negro, blanco y gris y en la misma medida en los contrastes cromáticos.
Se puede utilizar de diversas formas en el arte. El mismo brillo (nulo o poco contraste claro-oscuro) lleva los colores al mismo nivel, mientras que un fuerte contraste claro-oscuro puede producir plasticidad, ya que los colores claros tienden a avanzar y los oscuros tienden a retroceder hacia el fondo. Los fotógrafos utilizan el contraste claro-oscuro para separar la sombra y la luz, de modo que los contornos de la imagen puedan reconocerse mejor para crear una tridimensionalidad.
Además del contraste del color en sà mismo, reaccionamos con más fuerza al contraste claro-oscuro, ya que refleja la luz y la oscuridad. En el diseño, este contraste es muy importante. Los textos siempre funcionan con un contraste claro-oscuro. Sin él, ningún detalle del texto serÃa reconocible sobre el fondo.
Pintores como Rembrandt y Caravaggio son los máximos exponentes de esta técnica. Las escenas de sus cuadros se desarrollan en la oscuridad de la noche, a la luz de velas o faroles, en una atmósfera de absoluto silencio.
De esta manera, el contraste no expresa ideas paralelas, sino que retrata al sujeto como único o significativo o incluso santificado en comparación con su trasfondo.
En términos artÃsticos, el contraste es un estÃmulo para las emociones. Las áreas contrastantes en el arte pueden tener un alto contenido de información y expresar diversos sentimientos. Si las formas opuestas se colocan una al lado de la otra, el espectador a menudo se siente atraÃdo inmediatamente por la polaridad de los motivos. Este contraste, consciente o inconscientemente, suscita la pregunta sobre las intenciones del artista.
Cuanto mayor es el contraste entre la luz y la oscuridad, mayor es la tensión en la imagen y el resultado es más "dramático".
El claroscuro es una de las técnicas más importantes y expresivas en el diseño de imágenes y es fácil ver su impronta en otras artes como el cine de la primera mitad del siglo XX.
Principales usos del contraste
En el arte el contraste se usa principalmente para tres cosas:
Resaltar un elemento
Muy a menudo en la ilustración o en el arte conceptual se establece un punto focal o centro de atención sobre un elemento. El objetivo de este contraste es comunicar una idea o compartir una historia, una emoción, "un concepto"... como resultado, a menudo tenemos que resaltar uno o más elementos del dibujo ( un personaje, un lugar, una acción, etc. )
Por lo tanto, usaremos el contraste para resaltar estos elementos.
Separar o despegar un elemento.
Para separar planos de profundidad en un paisaje, usamos lo que se llama perspectiva atmosférica.
El principio de la perspectiva atmosférica consiste en separar los planos para crear una impresión de distancia. Se utilizan dos valores suficientemente contrastados para separar elementos del dibujo (por ejemplo, una persona en primer plano y una montaña que se vislumbra al fondo).
Componer una imagen, un dibujo
Al componer imágenes, los artistas siempre intentan cautivar la mirada del espectador haciéndola vagar por la imagen casi continuamente. Para ello se valen de la composición. El contraste claro-oscuro ofrece aquà muchas posibilidades: las superficies más claras (a veces también las más oscuras) sirven como puntos de atracción. El ojo los atrapa más rápido y se enfoca en ellos. Entonces, puede pasar a otras áreas de la imagen que son intelectualmente más superficiales. En cuanto aquello que ve pierde tensión, busca el punto de tensión más cercano (contraste claro-oscuro) para continuar su camino a través de la imagen.
De esta manera, uno puede componer narrativas de imágenes que conducen a procesos visuales que son asombrosamente similares. Si deseas componer con éxito tus dibujos, debes tener en cuenta una multitud de parámetros para perfeccionar esta habilidad. Hay que saber gestionar el encuadre, la luz, las lÃneas de fuerza, el color, las escalas...
Pero debes saber, ante todo, que el buen uso del contraste será uno de los puntos fuertes en tus composiciones.
Resaltar, separar y componer son, por tanto, los principios de todo contraste.
Recuérdalos cuando comiences un nuevo dibujo y hazte las siguientes preguntas: ¿Cómo voy a usar el contraste en este dibujo y con qué propósito lo voy a usar?
Tipos de contraste y cómo utilizarlos
El blanco con el negro o el negro con el blanco parecen más poderosos uno al lado del otro, y en general los opuestos siempre parecen más poderosos uno al lado del otro. —Leonardo da Vinci, Tratado de la Pintura.
Saber utilizar el contraste cambiará tus diseños y tu estilo. Cuando se trabaja con color, se utilizan diferentes matices, saturaciones y proporciones de luz y sombra. Dado que este artÃculo se refiere a dibujos a lápiz, no podemos combinar el contraste con el tono y la saturación. En cambio, jugaremos con los valores del claroscuro. El contraste puede ser de dos tipos: de sombra y luz, y de valor (claro/oscuro).
Sombra y luz
Es el contraste más utilizado (con diferencia) por los diseñadores. La clave consiste en yuxtaponer un área oscura y un área iluminada. Cuanto más nÃtida sea la transición entre blanco y negro, mayor será el contraste. Por otro lado, si esta transición es suave, el efecto de contraste se atenuará ligeramente. Un área ennegrecida indica profundidad, mientras que por el contrario, un área dejada en blanco indica contacto directo con la luz. Por lo tanto, cuanto mayor sea el contraste entre la sombra y la luz, mayor será el relieve.
De aquà surge esta primera regla del dibujo y la pintura:
Para que la luz aparezca en un dibujo, necesita un contraste que sea tanto más fuerte cuanto más brillante sea la luz. En el dibujo artÃstico es el blanco del papel el que hace las veces de luz. Por naturaleza, el blanco del papel no puede ser más blanco que el blanco, por lo que la única forma de hacer que el blanco del papel parezca más claro y brillante es establecer un valor muy oscuro.
Veamos bien esta imagen. Se compone de tres cuadrados de diferentes valores de gris con otros tres cuadrados blancos en su centro.
¿Qué cuadrado blanco crees que es el más brillante, en otras palabras, más blanco? Si observamos cada uno de ellos, el de la izquierda ( cuadrado A ) parece más apagado que el cuadrado C, que parece más brillante. Esto es, por supuesto, una ilusión óptica ya que el blanco es idéntico en A, B y C, pero debido a la intensidad variable de los contrastes, el contraste más fuerte que vemos es el del último cuadrado (C) que por un contraste más fuerte hace que el blanco parezca más brillante.
De aquà se deriva la segunda regla:
2. Para hacer brillar una luz, hay que ponerla en la sombra.
Esta especie de paradoja era el secreto de los pintores flamencos del siglo XVII, como Rembrandt Van Rijn, Frans Hals o el italiano Caravaggio, todos maestros ​​del arte de Clair-Obscure (claroscuro). Leonardo da Vinci fue el primero en describir el fenómeno: "De los colores de igual blancura e igual distancia del ojo, aparecerá más puro aquel que esté redondeado por la mayor oscuridad, y, a la inversa, aparecerá más sombrÃa aquella oscuridad que se vea sobre la "blancura" más pura, reconociéndose mejor cada color sobre su opuesto".
Valor (claro / oscuro)
Al dibujar un retrato en blanco y negro, es interesante ver que simplemente utilizando diferentes niveles de escala de grises, podemos hacer que ciertos elementos de nuestra imagen destaquen. También ayuda a reforzar la impresión de profundidad si se utilizan los valores adecuados en los lugares correctos.
Utilizando dos valores contiguos podemos cambiar la intensidad del contraste aumentando o disminuyendo la intensidad de la luz de cada uno.
En el dibujo, los contrastes se utilizan en todas partes, y con diferentes intensidades. El valor es, por supuesto, una de las formas de modificar la intensidad del contraste que se desea dibujar.
Esto suele hacerse jugando con el valor, asà como con las luces y las sombras al mismo tiempo.
También puedes crear contraste variando el grosor de tus lÃneas y la intensidad de tus trazos.
De esta manera, podemos separar elementos alternando zona clara / zona oscura , o crear profundidad cambiando el grosor de las lÃneas asà como la cantidad de lÃneas.
El grado de claridad u oscuridad conque se percibe un área también depende del área que la rodea.
Para ilustrar esto veamos las siguientes imágenes:
En estas dos imágenes, los dos cuadrados interiores son del mismo tono, sin embargo, parecen diferentes. Las áreas frente a un fondo oscuro aparecen más claras y frente a un fondo claro aparecen más oscuras. Este efecto se llama contraste simultáneo .
En dibujo este efecto se produce de forma natural todo el tiempo, porque al dibujar en escala de grises siempre hay luz junto a la oscuridad.
Puedes utilizar conscientemente el efecto para hacer que las superficies parezcan más claras o más oscuras. El brillo más alto que se puede lograr está determinado por el color del papel (siempre que no "aumente" usando pintura blanca). Sin embargo, puedes hacer que un punto parezca más claro oscureciendo el área.
Todo elemento en contacto con otro adquiere nuevas propiedades, perdiendo asà el original y experimentando una influencia diferente del entorno cambiado, toma una nueva forma". —Franz Liszt
Conclusiones
Sin contrastes no podrÃamos distinguir nada de forma legible. Todo se fundirÃa con todo. Los contrastes crean expresividad en una obra y son el medio más fuerte del autor para crear una imagen artÃstica. La pintura, por ejemplo, se basa en la yuxtaposición y, por lo tanto, en la combinación de tonos cálidos y frÃos, los gráficos en la yuxtaposición de la oscuridad y la luz, y la arquitectura en los elementos estructurales ligeros y pesados. La yuxtaposición del sonido, que tiene un tono y una duración determinados, con las pausas, constituye la estructura de la música, mientras que la lucha entre el bien y el mal es la base del drama. Nuestra percepción de la realidad en general se basa en yuxtaposiciones: agradable y desagradable, simple y complejo, espiritual y terrenal.
A. N. Volkov, en su libro Composition in Painting, define asà la ley: "El contraste expresa figurativamente una contradicción, pero también establece una fuerte retroalimentación. La verticalidad presupone necesariamente un eje horizontal y un borde horizontal del marco. En la presencia de lo horizontal reside la necesidad intrÃnseca de lo vertical. El contraste de la profundidad y la planitud, el contraste de la luz y la oscuridad, lo cromático y lo acromático, la ruptura y la continuidad, lo estático y lo dinámico. Contraste en todo. Esta es una de las leyes universales de la composición".