"Nadie es un artista si no lleva su cuadro en la cabeza antes de pintarlo, y está seguro de su método y composición". Robert Henri
¿Qué es la composición en el arte?
La composición es un término amplio. Tan amplio que puede ser difícil de articular y definir con claridad. Técnicamente, la composición es la distribución de objetos y figuras en el espacio, estableciendo una correlación entre sus volúmenes, luces y sombras y manchas de color. En un sentido más artístico podríamos definirla como la forma en que los artistas organizan los elementos visuales para comunicar sus ideas.
En el caso del dibujo del natural de uno, dos o tres sujetos, los problemas de composición se reducen a una conveniente disposición del dibujo en una hoja de papel.
Pero al crear una composición mediante la interpretación, se produce un complejo proceso de búsqueda creativa. En este caso, es impensable colocar inmediatamente toda la composición sin una preparación previa, que a su vez puede dividirse en una serie de tareas y trabajos individuales, que a veces requieren mucho tiempo.
Por ello, antes de comenzar una tarea de formación sencilla, todo el trabajo preparatorio debe hacerse en la mente: es necesario poder imaginar el trabajo ya dibujado. Al resolver la composición, el dibujante o pintor debe tener en cuenta todos los aspectos del cuadro: construcción, movimiento, proporciones, perspectiva, luz y sombra, color y textura de los objetos representados en el papel.
El objetivo de este artículo es dirigir la atención del dibujante a la colocación racional del dibujo de la naturaleza, de la memoria o de la imaginación.
Composición en dos preguntas
La teoría de la composición se puede resumir en dos preguntas básicas:
¿Qué quieres decir? (¿Cuál es tu gran idea? ¿Cuál es el mensaje que quieres comunicar a través de tu trabajo?)
¿Cómo lo vas a decir? (¿Cómo vas a organizar los elementos visuales de una manera que comunique tu mensaje?)
Es fácil perderse en todas las reglas y teorías de composición. Así que trata siempre de volver a estas dos preguntas.
Hacer esto también te dará más enfoque y dirección al realizar un dibujo o pintura. La mayoría de los errores de composición ocurren debido a una falta de dirección. Empiezas una obra con una cierta visión, pero luego algo más te llama la atención y lo persigues. No pasa mucho tiempo antes de que tu visión inicial se pierda por completo y tu dibujo sea una masa confusa de ideas. Robert Henri tiene una gran sección sobre esto en su libro The Art Spirit. Aquí hay un extracto:
“Empezar con una impresión profunda, la mejor, la más interesante, la más profunda que se pueda tener del modelo; conservar esta visión a lo largo de toda la obra; no ver nada más; no admitir ninguna digresión de ella; elegir solo del modelo los signos de este, conducirá a una obra orgánica ". El espíritu del arte.
Composición versus copia de la referencia
Conviene señalar la diferencia entre componer un cuadro y limitarse a copiar la referencia. Muchos dibujantes se esfuerzan por copiar la referencia con total exactitud. Pero no se obtienen puntos por copiar la referencia. La gente no ve la referencia, solo ve tu cuadro. Por lo tanto, tu cuadro debe ser capaz de sostenerse por sí mismo.
Habrá momentos en los que debas apartarte de la referencia. Quizá haya algo que no se perciba bien, que sea engañoso o que no encaje con el resto del cuadro. Tu licencia artística te da el privilegio de ignorar, añadir o cambiar la referencia según sea necesario.
Tipos de composición
Hay dos tipos básicos de composición en el dibujo y la pintura:
1. La composición estática: es una composición que transmite en la imagen una sensación de equilibrio, un estado de tranquilidad.
2. Composición dinámica: es buena para transmitir el movimiento, las emociones violentas, los elementos de la naturaleza.
La diferencia entre estos dos tipos de composición puede verse claramente en las respectivas imágenes que aparecen a continuación:
Elementos visuales
Los elementos visuales son los bloques de construcción de un cuadro y sus herramientas de composición. Son los siguientes:
Línea. Una marca estrecha que se extiende entre dos puntos. Este es el elemento visual más fundamental a tu disposición. Forma. Un área contenida definida por bordes. Color. Los diferentes tonos (rojo, azul, naranja, verde; estos son tonos diferentes). Textura. El grado de aspereza, suavidad, brillo, etc. de la superficie. Puede ser la textura física de la pintura o la mera ilusión de textura en el cuadro. Valor. El grado de claridad u oscuridad de un color. Espacio. El espacio ocupado por objetos (positivo) o entre objetos (negativo). Profundidad. La ilusión de distancia en una superficie plana. La profundidad se suele segmentar en un primer plano, un segundo plano y un fondo.
Principios del arte
Si los elementos visuales son los bloques de construcción, los principios del arte son el cemento que los mantiene unidos. Son los siguientes:
Ritmo. Los ojos, al observar un cuerpo en movimiento, repiten todas las fases de su movimiento y perciben simultáneamente la extensión del espacio recorrido por el cuerpo. Esta característica de la percepción visual de una serie de figuras representadas se utiliza ampliamente en las bellas artes para expresar movimiento y vida. La repetición y alternancia de figuras se llama ritmo.
El ritmo segmenta la forma, resalta lo esencial, debilita la importancia de lo secundario, hace que el tema sea más estático o dinámico, más íntegro o desconectado, en plena consonancia con la intención creativa de la composición.
Simetría. Esta palabra griega, significa "armonía", "proporcionalidad". La simetría actúa en la naturaleza como un medio estático de cierre de la forma en sí misma, la subordinación de todas sus partes o el enriquecimiento dinámico de las superficies y el espacio. Una figura (o grupo de figuras) es simétrica si las partes que la componen son iguales y están dispuestas uniformemente. La igualdad puede establecerse superponiendo las figuras en una simple superposición o reflejándolas. La uniformidad se establece cuando las figuras se combinan entre sí o se transforman entre sí con la ayuda de transposiciones, rotaciones o reflexiones.
Asimetría. Si el objeto (o figura) carece de elementos de simetría, entonces se denomina asimétrico. La asimetría siempre dinamiza la forma plástica y revela su potencial de movimiento. Las posibilidades "dinámicas" ocultas de este medio compositivo se explican por el hecho de que el fuerte movimiento que surge en una figura asimétrica no puede cerrarse en sí mismo, fluye hacia los objetos vecinos y el entorno. Recibiendo una continuación lógica en ellos, se cierra y hace que la figura sea estable, estéticamente atractiva. En este caso, la asimetría se considera una fase intermedia, como una transición de un tipo de simetría a otro.
Equilibrio. En un dibujo o pintura un objeto pequeño con contornos muy recortados y superficies de color claro se percibe como ligero; por el contrario, un objeto grande con contornos simplificados y superficies de color oscuro nos parece pesado. Si una parte del dibujo está hecha con pinturas claras, y la otra parte está hecha con colores oscuros y saturados, entonces ambas partes del dibujo forman una composición inestable porque el componente pesado "pesa más" que el ligero; la imagen en su conjunto pierde compacidad, totalidad y estabilidad, y generalmente se evalúa como poco atractiva. Por lo tanto, si queremos que nuestra obra resulte agradable a la vista, debemos mantener el equilibrio entre "lo ligero" y "lo pesado".
Contraste. Cada cosa tiene una serie de cualidades y atributos diferentes, lados en conflicto. Su diferencia u opuesto se llama contraste. El contraste realza la sensación de diferencia entre los objetos, sus partes o características y, por lo tanto, es un medio para dividir un grupo en objetos separados y un objeto en partes separadas. Esto hace posible destacar el objeto deseado del grupo o la característica deseada.
Matiz. Para caracterizar un objeto como un organismo integral y armonioso en su forma, se debe notar la consistencia y proporcionalidad de las partes, su relación y similitud. Este es el papel y la expresividad del matiz. El matiz, como el contraste, puede manifestarse en forma, tamaño, movimiento, construcción, ligereza, textura, color.
Así pues, una vez aclarados los elementos y principios sobre los que se asienta la composición, el primer paso es elegir el tamaño de la imagen y su colocación en la hoja. La colocación de la imagen está determinada por las siguientes condiciones: el tema de la imagen, es decir la tarea establecida del ejercicio dado (tema), el formato y el tamaño de la hoja. Si en la creatividad, la variedad de tareas determina una variedad de soluciones compositivas, entonces limitadas a tal o cual propósito (construcción, movimiento, luz y sombra, perspectiva) las tareas de entrenamiento del dibujo del natural, de la memoria, de la imaginación imponen requisitos más estrictos para la colocación del dibujo en la hoja de papel.
El centro de la composición
El centro de la composición o punto focal, es el punto donde el espectador centra su atención. La intención del artista es que este objeto sea el primero en atraer la atención del espectador. Debes ser capaz no solo de identificar el centro, sino de acentuarlo sin romper la composición general. Por supuesto, hay variantes cuando el centro está ausente, pero son muy específicas y más bien excepcionales.
Cómo resaltar el centro
Hay algunos trucos que te ayudan a destacar el objeto deseado sobre el fondo.
1. Centro de contraste. Se crea utilizando la diferencia entre los objetos claros y oscuros. El centro compositivo se opone en color al resto de la ilustración. Debe ser más claro u oscuro que el resto de los elementos de la imagen. Este contraste atraerá inmediatamente la atención del espectador. Pero recuerda que los sujetos oscurecidos parecen visualmente más pequeños que los iluminados. Por lo tanto, utilizando este método, es importante no violar las proporciones, de lo contrario puedes destruir una composición exitosa.
2. Ejes. Puedes usar líneas guía. Llevarán al centro de la composición. Las piezas deben colocarse como si estuvieran ensartadas en un eje y tendiendo al centro. También se pueden utilizar líneas guía simples si eso es lo que pretende el artista.
3. Dimensionalidad. La forma más fácil de mostrar el centro es hacerlo a través del tamaño de la imagen. En consecuencia, si el objeto es más grande que los demás, el ojo del espectador se posará en él en primer lugar. Puedes hacer lo contrario: que el centro de la composición tenga un tamaño menor que el resto de los objetos de la hoja, lo que ayudaría a conseguir el mismo efecto.
4. Versatilidad. La imagen puede ser de muchos temas diferentes. Por lo tanto la multidimensionalidad es útil. Puede utilizarse para expresar la profundidad del espacio. Llevamos el centro de la composición al primer plano, y todos los demás objetos al fondo. También se puede hacer lo contrario, poniendo el centro en el fondo. El principio es el mismo, con un solo objeto en el fondo y el resto en el primer plano. Desenfocar la imagen ayuda a marcar la diferencia. Es como la fotografía, cuando solo se enfoca el objeto deseado. Puedes utilizar varias técnicas a la vez. Lo principal es no olvidar tener en cuenta las proporciones y las leyes de la perspectiva. Todos los objetos del papel están subordinados al centro de la composición, y de este centro dependerá el tamaño de los objetos del cuadro en su conjunto.
Percepción del espectador
Ahora hablemos de lo que percibe el espectador cuando mira un cuadro determinado. Para el artista, lo más importante es transmitir su idea a través de la pintura. Normalmente, la mirada humana se dirige de izquierda a derecha. Por lo tanto, es mejor colocar el centro de composición en el lado izquierdo. Si se pinta con una composición dinámica, es mejor dirigir el movimiento desde el borde izquierdo hacia la derecha. Las obras dinámicas atraen más la atención que las estáticas. A la hora de crear una obra, es importante tener en cuenta qué emociones se quieren evocar en el espectador. También puedes utilizar las líneas para crear un sentimiento. Las líneas horizontales, por ejemplo, crean una sensación de quietud. La vertical es un movimiento ascendente, un movimiento ascendente hacia algo importante. Las diagonales y las líneas inclinadas crean una sensación de distancia. Las líneas interrumpidas o cruzadas indican emociones tormentosas, sentimientos desagradables o incluso agresividad; esto se puede ver en las imágenes de las batallas. Las líneas suaves, las curvas, representan la tranquilidad, que es evidente en los paisajes.
Principales técnicas de la composición
Ya sabemos cómo crear una sensación de calma o movimiento en un dibujo a través de una composición estática y dinámica, así como también llamar la atención del espectador hacia el objeto principal de la composición: el "centro compositivo" a través de técnicas especiales y "trucos". Ahora es el momento de que averigüemos con qué reglas es necesario construir una composición armoniosa y correcta en el dibujo. En las artes visuales, existen varias reglas mediante las cuales se construye una composición. Para aprender a dibujar, debes tener una idea de estas mismas reglas. Por lo tanto, a continuación intentaré describirlas de la forma más clara y breve posible.
REGLA DE LA PROPORCIÓN ÁUREA
La "proporción áurea" o "sección dorada" es una manifestación universal de la armonía estructural. En términos porcentuales, la proporción áurea es la división de una cantidad en la proporción del 62% al 38%.
La proporción áurea se presenta en dos variedades:
1. Proporción áurea en espiral. Esta espiral recibe su nombre de su asociación con una secuencia de rectángulos anidados con una proporción de lados igual a φ (es un valor fijo de 1,62), que se conoce comúnmente como la proporción áurea. Basta con representar visualmente la espiral en la hoja y disponer los objetos en ella. O bien, con una línea de lápiz fina y apenas perceptible, dibujarla en la hoja de papel. La proporción áurea en forma de espiral es muy común en la naturaleza, por ejemplo podemos verla en la concha de un caracol.
2. Proporción áurea diagonal. Es aplicable cuando se representan diferentes objetos. Para ello trazamos una línea diagonal, dividiendo la hoja en dos triángulos. Desde una de las esquinas de la hoja dibujamos un segmento perpendicular a la diagonal existente. Como resultado, tenemos tres triángulos diferentes en la hoja. Colocamos todos los objetos significativos dentro de ellos. Para crear una composición armoniosa, es necesario relacionar la escala de los objetos con las proporciones de los triángulos: un objeto grande en un triángulo grande, un objeto pequeño en el triángulo más pequeño, etc.
REGLA DE LOS TERCIOS
Una versión simplificada de la compleja proporción áurea es la regla de los tercios. Se trata de dividir la hoja en 9 partes iguales mediante líneas perpendiculares. La forma más fácil de crear una composición armoniosa es colocar un objeto significativo en el rectángulo central. Si vas a representar varios objetos, es mejor hacerlo en la intersección de las líneas de nuestra cuadrícula rectangular. Si quieres resaltar algún objeto, es mejor colocarlo directamente sobre las líneas. Si estás pintando un paisaje con una línea de horizonte, la proporción cielo/fondo debería ser de 2,1.
Romper las reglas de la composición
Las "reglas" de composición son cualquier cosa menos eso. Existen por una razón, ya que tienen sentido la mayor parte de las veces, pero habrá ocasiones en las que deberás ignorarlas y seguir tu instinto.
Además, si todo el mundo siguiera las reglas de composición al pie de la letra, todos pintarían igual. ¿Y qué gracia tendría eso?
Para cada regla, hay un cuadro brillante que la rompe. Veamos algunos ejemplos.
En el cuadro Smiling Girl de Abram Arkhipov (abajo), la cabeza del sujeto llega al borde superior del cuadro. Lo normal sería empujar el sujeto hacia abajo y tener un espacio negativo en la parte superior. Pero en este caso funciona, ya que contribuye a la sensación de intimidad del cuadro.
Aquí las velas se extienden más allá del borde superior.
La cabeza del sujeto llega al borde derecho.
La línea de visión del hombre nos saca del cuadro. Una línea de visión es una línea implícita. No existe físicamente pero dirige nuestra atención. Queremos mirar donde miran los demás.
Se utilizan detalles intrincados para toda la pintura (sin simplificación). La teoría de la composición sugeriría simplificar el trasfondo para centrar la atención en el perro.
Conclusiones
Solo se puede empezar a dibujar directamente en la hoja de papel cuando se haya definido el tema, es decir, el propósito y el objetivo del dibujo o del ejercicio.
Todas las reglas y teorías se resumen en dos sencillas preguntas: ¿Qué estás tratando de decir? ¿Cómo vas a decirlo?
La composición no es lo mismo que copiar la referencia. Como artista, tienes licencia para ignorar, agregar o cambiar la referencia según sea necesario.
Los elementos visuales son los componentes básicos de la composición. Los principios del arte son el pegamento que los mantiene unidos.
No te pierdas en todos los términos de la composición. Simplemente nos ayudan a articular y comprender la composición. No es necesario que los memorices para crear buenas composiciones.
Las técnicas, reglas y teorías existen por la sencilla razón de que funcionan la mayor parte de las veces. Pero no debemos seguirlas como una ley regida por normas.
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